不如就让我们从《异形》系列电影开始探讨惊悚电影是如何成为时装设计师的灵感源泉的。

  作为一个颇具影响力的电影系列，《异形》的独特之处不仅仅体现在电影整体的美学基调以及惊悚的情节之上，更是体现在异形这一角色的设定之上。生物体与机械的结合，让异形拥有了独树一帜的外表，也成功影响了后来许多科幻惊悚电影对于宇宙怪兽的刻画。甚至在Steven Spielberg记录流行文化重要时刻的电影《头号玩家》中，也给到了异形一个令人难忘的特写镜头。

  而这一切都归功于“异形之父”、瑞士著名超现实主义画家H.R. Giger。他所擅长的人机融合（Biomechanical）的绘制风格，不仅帮助他斩获了奥斯卡等重要奖项的认可，同时也帮助后来的创作者们打开了新世界的大门，而这其中便包括了时装设计师们。

  让我们首先把目光投向20世纪90年代，在Alexander McQueen为自己同名品牌打造的1998春夏成衣系列“The Golden Shower”中，让人印象非常深刻的不仅仅是Gisele Bundchen在秀场上极具暗示性的淋雨表演，同样也有他与珠宝设计师Shaun Leane共同打造的一系列“外骨骼”配饰。在许多模特身上，原本应当埋藏在皮肤之下的骨骼“外露”，脊柱胸衣、金属下巴等配饰展现出不属于人类的美感，仿佛与穿戴者融为一体。

  这些设计不仅是在满足McQueen和Shaun Leane于本季想要对“恋物癖”的探讨，同样也是在拓展H.R. Giger的“人机融合” 美学。故意保留金属色的外骨骼，是一种机械、人造的象征，而它们被“嵌合”在人体上，则是象征着机械成为了人体武器的一部分，恰好呼应了《异形》里的形象设定。

  McQueen不只一次在秀场上展现《异形》对自己的影响。譬如在他生前为自己品牌发布的最后一个系列2010春夏系列中，同样应用了H.R. Giger的美学概念。这场从“失落的亚特兰蒂斯” 中汲取灵感的秀，其鞋履设计仿照了《异形》怪物的形态，推出了宛如海洋怪兽头骨般的高跟鞋。3D打印的技术和金属光泽材质的选用，让其又充满了未来主义般的质感。

  H.R . Giger的“人机融合”美学以及McQueen在此基础上延伸出来的“外骨骼”时装形态在随后其他设计师的作品中同样得到了体现。譬如在Daniel Roseberry为高级时装屋Schiaparelli打造的2024春夏高级定制系列中，便出现了同样有着Giger美学影响的“外骨骼” 时装。在Roseberry这一场畅想高级定制未来形态的秀场里，这一设计无疑是在表达着“人机融合”的一种可能性，仿佛预示着在未来的世界里，人类会往更具攻击性、更奇特的形态进化。

  在Prada 2024春夏男装系列的秀场上，本身就钟情于惊悚电影的Raf Simons更是直接将《异形》形象通过二次创作放在了成衣之上。这些带有攻击性的怪物形象并没有在时装上继续“张牙舞爪”，反倒与形若花卉般的图案融合成为了外星风情的夏威夷印花。不仅如此，整个秀场装置同样也在呼应着《异形》的美学。如同由集装箱构成的全金属空间，仿佛是电影中的太空舱，而不断从天花板上流下的粘液，则是在致敬《异形》中充满粘稠液体的外星巢穴，为整个秀场增添了更多的不安元素。

  热爱科幻电影的Nicolas Ghesquière对《异形》的致敬则更为“隐晦”。在他为Louis Vuitton设计的2019春夏女装系列中，模特们身着的宽大廓形服装呼应着《异形》系列电影风靡的20世纪80年代，而多位模特手中拿着的蛋形手袋，则仿佛是携带着未孵化的异形卵，为整体复古的造型带来了一些恐怖趣味。

  不过，这场秀更多指向《异形》的细节存在于时装之外。由Woodkid制作、美国音乐人Moses Sumney演唱的秀场音乐《Standing On the Horizon》，延续Ghesquière“古典与未来碰撞”美学的要求之外，加入了大量的不和谐音，以营造出更多的不安感。而从卢浮宫内部延伸出来的秀场，是一个由玻璃构建的三角形空间，搭配上近乎惨白的灯光，仿佛是创造了一个《异形》电影中会出现的太空飞船。模特们以极快的步伐穿梭其中，加重了整场秀的紧促氛围。

  中国设计师Sensen Li同样对《异形》偏爱有加。尽管并非直接致敬《异形》，但在他个人品牌Windowsen的设计当中依旧能清楚看到属于H.R. Giger的影响。譬如那双标志性的Prosthetic厚底靴，如同机甲般的外形搭配着柔软的乳胶材质，仿佛是“人机融合”的另一种可能。而他作品中那种将运动装与高级时装相融合的独特美学，又像是科学怪人一般，创造出新的“时装物种”。

  于2017年上映的《异形：契约》有着独立于系列中其他作品对时尚的特别影响。作为“普罗米修斯”篇章的第二部作品，导演Ridley Scot t将重心放置在了对末世（Armageddon）环境的刻画之上。为了更好地呼应整体的时代氛围，影片更是找来了英国男装设计师Craig Green为主角们打造服装，其多功能性同时蕴含着对末日不安情感的时装设计以凌厉的肃杀感，满足了影片中主角们对严酷环境的需求。

  Craig Green与Ridley Scott一同营造的末世氛围很快也影响到了其他的时装设计师。譬如Rick Owens就在其2017秋冬男装系师。譬如Rick Owens就在其2017秋冬男装系列中，运用了大量如同“肿块”般的设计元素，既是在为人类提供保护，同样也在象征着末世中逃难的人类需要携带自己所有的物件于身上。Kanye West同样也在个人品牌Yeezy的2017秋冬系列中，通过功能性的时装来描绘末日之下人类的生存形象。

  诚然，《异形》代表了科幻惊悚电影在时尚行业空前的影响力，这一类型用人们对未来想象中所产生的恐惧而吸引着设计师以此为原型塑造时装的未来面貌。但别的类型的惊悚电影同样对时装设计有着深远且长久的影响。

  或许我们大家可以从希区柯克最为经典的《群鸟》开始讨论这一部分的内容。这位惊悚大师不仅擅长创造令人胆寒的故事，同样也对片中角色的着装、画面的构造有着十分严苛的要求。他大部分影片里的服装均是由好莱坞著名服装设计师Edith Head设计完成。其中，Head为电影《群鸟》女主角Tippi Hedren设计的修身、利落的造型，成为了后来许多时装设计师最为直接的灵感来源。

  Alexander McQueen就曾多次在自己设计的系列中致敬了这一部优秀的电影。譬如1995春夏系列他便直接以电影的片名命名，不仅将Edith Head为Tippi Hedren打造的时髦衣橱进行了完整的“复刻”，同样也将片中极具攻击性的群鸟形象以印花的形式融入进了单品之中。此外，在2001春夏“Voss”系列中，行走于玻璃箱中的模特里就有一位身着鸟类标本打造的时装，仿佛在复刻片中女主角被群鸟攻击的场景。而在以20世纪60年代风格为主题的2005秋冬系列中，他同样以数套造型呼应了这部佳作。值得一提的是，这场秀的邀请函仿照了希区柯克另外一部电影《迷魂记》的电影海报设计而成，秀场的空间则是仿照了电影《后窗》里的场景。

  McQueen对希区柯克电影的痴迷不仅体现在《群鸟》这一部电影之中。像是在1999春夏系列谢幕前载入时装史册的表演中，Shalom Harlow被机械手臂往裙装上喷涂颜料的一幕，就是在对希区柯克另一部作品《惊魂记》中经典的“浴室戏”一个工业时代化的解读。McQueen对于惊悚电影的痴迷，或许是来自于他脑海里对女性形象的刻画。在他的心目中，女性是脆弱的，但同时也是锋利、有攻击性的。在他视作灵感的电影里，女主角往往都具备这样的特质，正是他设计的女性时装的完美代言人。

  《闪灵》作为电影史中的经典，被数不胜数的设计师们先后致敬过。譬如库布里克的忠实影迷高桥盾，在Undercover 2018春夏女装系列中就致敬了这部经典之作。这个以“双生”和“正反面”为概念的系列，谢幕的造型由两对双胞胎完成演绎，她们身着《闪灵》电影里双胞胎一模一样的蓝色连衣裙，手牵手出场，一个人的裙子整洁干净，另一人的裙子上则点缀满了如同沾满鲜血的丝线和水晶，仿佛在呼应片中被斧头砍死双胞胎的情节。

  高桥盾是一位不折不扣的惊悚电影爱好者，除了库布里克的《闪灵》和《发条橙》，他多次在自己的系列当中融入恐怖元素。譬如在Undercover 2020春夏男装系列之中，他就致敬了导演F.W. Murnau于1922年拍摄的惊悚电影《Nosferatu: A Symphony of Horror》。他不仅将片中吸血鬼诺斯费拉图的形象以印花的形式呈现于夹克之上，同时也在这个近乎纯黑的系列里引用了更多来自艺术家Cindy Sherman的作品，来创造一种属于潜意识的恐怖和鬼魅气息。

  Undercover 2019春夏男装系列中他又以1979年的惊悚邪典电影《战士帮》（The Warriors）为灵感，用时装刻画出8个风格迥异的帮派，打破了传统时装秀场完整且统一的叙事手法，用如同胶囊系列合集的形式呈现出了对抗的效果。整个系列中，他又融入了很多日本特摄片及动漫如《假面骑士》《奥特曼》《我是小甜甜》的元素，创造了属于时装的“新时代战士帮”。高桥盾对惊悚电影的引用还有很多。譬如2019秋冬女装系列就致敬了Luca Guadagnino导演的新版《阴风阵阵》，在与法国品牌Carne Bollenet合作的胶囊系列中融入了包括《德古拉》《科学怪人》《惊魂手》等经典惊悚电影的印花元素。

  回到电影大师库布里克，他生前的最后一部作品《大开眼戒》也是时尚界钟爱的灵感源泉，譬如设计师Jonathan Anderson就在个人品牌J.W Anderson 2024秋冬男装系列里致敬了这一部优秀的电影。但他并非将目光投向那些影片中充满奇观性质的场景，而是对准了一些微不可察的细节—库布里克的妻子Christiane Kubrick为电影中绘制的各类油画。充满暧昧和情欲气息的丝绒、等等元素出现在男装之上，仿佛是在呼应电影中的禁忌情节。

  《大开眼戒》和《闪灵》同样也出现在了前Gucci创作总监Alessandro Michele为品牌Exquisite Gucci系列打造的广告大片中。在整组大片中，库布里克经典作品中的经典场景被悉数复刻，模特身着新季时装成为了出现在场景里的“旁观者”。

  这不是Michele第一次在Gucci的创作里引用惊悚电影元素。这位热爱流行文化的意大利设计师，将惊悚电影视作自己奇观世界里重要的一环。像是在Gucci 2019秋冬男装系列的秀场上，许多模特都戴着各式面具出场—而这些面具灵感大都来自于惊悚电影，譬如《月光光心慌慌》《德州电锯杀人狂》等。Gucci 2018早秋系列则致敬了意大利惊悚电影导演Dario Argento，连拍摄场地都选在了这位导演的代表作，如《Inferno》和《Shadow》当中的真实场景。

  在Michele为Gucci打造的最后一个秀场系列Gucci Twinsburg中，同样暗藏着他的惊悚电影情怀。秀场上多件单品都出现了美国经典惊悚喜剧电影《小魔怪》（Gremlins）中的卡通主角mogwai的形象，这一在片中因疯狂复制而造成许多麻烦的角色，恰好是对整场秀“复制”概念的最佳注解。

  Raf Simons同样是一位惊悚电影爱好者。除了为Prada注入更多流行文化元素之外，他同样也将这份喜爱体现在自己职业生涯的多个时期。譬如在个人品牌Raf Simons的2016秋冬系列和2017秋冬系列里，他都从经典惊悚电影《猛鬼街》主角Freddy Krueger穿着的条纹毛衣中汲取灵感，打造了一系列充满破坏细节的大尺寸针织衫。

  在Calvin Klein任职创意总监期间，Raf Simons同样致敬了许多惊悚电影。譬如在2018春夏系列中，他将灵感投向了好莱坞文化，但他的侧重点并非全是那些光鲜亮丽的“美国梦”，而是以惊悚电影为主导的“美国噩梦”。他从经典的惊悚电影《魔女嘉莉》《闪灵》以及《魔鬼怪婴》中汲取灵感，为系列打造了带有肃杀气质的时装。随后的2019春夏系列，他又将自己的目光投向了在票房上创造纪录的惊悚电影《大白鲨》，在以氯丁胶乳为面料，如同潜水服般的时装里，穿插着电影经典的海报，为整个系列笼罩了一层不安的氛围。

  由Catherine Deneuve、David Bowie以及Susan Sarandon共同主演的吸血鬼电影《千年血后》，尽管在上映时并没有收到影迷方面的好评，但它在美学上却成功地俘获了哥特美学的爱好者们，并成为了一部经典的邪典电影。其中，Yves Saint Laurent为Catherine Deneuve专门打造的礼服更是成为时装史上的经典。Alexander McQueen将个人品牌1996春夏系列献给了这部邪典电影，设计师Clare Waight Keller同样在自己为Givenchy打造的2018春夏女装系列中，致敬了Yves Saint Laurent先生于片中设计的服装。

  1935年的科幻惊悚电影《科学怪人的新娘》，同样有着深远的影响力。像是惊悚电影狂热粉丝的Mulleav y姐妹，就在自己品牌Rodarte的2009秋冬系列中向这一经典电影致敬。尽管并非直接致敬这部20世纪30年代经典里的服装设计，但依旧可以从服装的配色中感受到设计师对于科学怪人的刻画。此外，科学怪人的形象同样出现在了Christopher Kane 2013春夏系列的秀场，以及Prada 2019秋冬男装和女装系列的秀场之上。

  以惊悚电影为灵感设计系列的设计师还有很多。像是Jonathan Anderson曾为个人品牌J.W Anderson推出了一个与《魔女嘉莉》合作的胶囊系列；Louis Gabriel Nouchi将个人品牌2023秋冬系列直接以经典惊悚电影《美国精神病人》为名；Thom Browne的2012秋冬男装系列，在橄榄球灵感的外壳下，同样也从如《洛基恐怖秀》这样的经典惊悚电影中获取了造型和设计上的参考。

  首先，如果我们回溯惊悚电影发展的历史，你会惊奇地发现，在电影产业的技术进步之中，惊悚电影做出了不小的贡献—它帮助如同幻影般的双重曝光技术被大范围的应用；让斯坦尼康首次获得了电影行业的大量认可；让导演们尝试着用超过50个机位的镜头来拍摄同一个画面场景（在希区柯克的电影《惊魂记》里，经典的浴室场景拍摄机位达到了78个之多）。不同年代的导演们在拍摄惊悚电影时，都尝试着用更新的想法和更新的技术，让观众达到更为身临其境的体验—换句话说，就希望用新的技术让电影“更吓人”。

  在希望电影“更吓人”的想法之下创作出来的作品，也会诞生一些“副产品”，即对于画面和构图的考究。这种考究尽管是出于营造身临其境的氛围而考虑的，但最终除了吓到观众之外，同样也做到了让画面有比同时期作品更精致、细腻的视觉效果，这显然对需要从视觉中寻找到灵感和刺激的设计师来讲是一种巨大的诱惑。

  另外，不同于写实类电影类型，惊悚电影更强调感官刺激，因而无论是在剧本故事设定亦或是画面塑造上都更自由。它更像是导演们的一块试验田，能够在其中肆无忌惮地展现更为纯粹的美学元素。最典型的例子或许是2016年上映的惊悚电影《霓虹恶魔》，它有着十分纯粹且时髦的视觉呈现，但由于剧本的硬伤又备受争议。同时，导演们同样希望观众在看完自己拍摄的惊悚作品后能留下长久的感官记忆，因而会选择往更加坎普的方向来构建整体视觉和人物造型。

  纯粹的视觉塑造可以简单分成两种类型。第一类，即强烈的风格可以很快塑造出一个与故事截然不同，同时又能让观众沉浸其中的环境，这样的塑造能够在导演揭露故事血腥、恐怖的一幕时形成强烈反差，进而达到惊吓观众的目的。

  这在A24出品、Mia Goth主演的《X》系列电影中可窥探一二。作为三部曲，从《珀尔》《X》，到《玛克辛》，导演Ti West给每一部都设置了一个特定年代，用典型到坎普的形象来装扮女主角Mia Goth，这便是为让观众能够在不了解任何文化背景的前提之下很快沉浸到电影的叙事之中，并感受到寻常叙事之下潜藏的恐怖氛围。另外一部同样由A24出品的惊悚电影《仲夏夜惊魂》亦是如此，用代表着欢庆的“仲夏节”作为影片视觉基调，让故事的展开所带来的恐怖感更加强烈。经典的惊悚电影如《魔女嘉莉》《闪灵》《大开眼戒》等都是如此。

  第二类则更简单，便是导演对于美学的追求。像是由Tarsem Singh拍摄的首部电影《入侵脑细胞》中，他便与设计师石冈瑛子一同打造了令人难忘的服装和场面。这些视觉意象并非单纯为了电影沉浸式感官服务，还埋藏了很多导演所想要表达的隐喻，与电影本身探寻内心世界的主题遥相呼应。同样由石冈瑛子担任戏服造型的《惊情四百年》，她的设计在满足惊悚情节的需求之外，也展现了导演Francis Coppola所追求的文艺复兴美学。

  从时装设计师的角度来看，在电影美学能够给大家提供灵感之外，这些惊悚电影中对于角色的刻画同样令他们着迷。这些被设计师们热爱的角色，并非传统意义上的“背景板”，除了提供必要的惊吓情节之外，他们往往会展现出勇敢坚毅的一面，又或者是展现出癫狂凶狠的一面—这种跳出社会规范的个性，恰恰满足了设计师们对于个性的追求。如H.R. Giger笔下的《异形》，它们就完全跳脱出了设计师们的常识，用全新的视角来帮助设计师们审视人体与时装之间的关系。

  因与导演Yann Gonzalez拍摄恐怖短片而收获金棕榈奖的英国音乐人Oliver Sim曾在采访中说过，恐怖片并不会吓到他，反倒会让他感到兴奋。因为在这种感官的刺激下，他收获了现实中没有办法获得的美学体验以及挣脱桎梏的勇气，而这种体验和勇气，也在不断影响着时装界，让观众们为之颤栗。